miércoles, 22 de abril de 2015

Rembrandt - Biografía

(Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Leiden, Países Bajos, 1606 - Amsterdam, 1669) Pintor holandés. Nacido en el seno de una acomodada familia de molineros, Rembrandt van Rijn recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse a la pintura. De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y otro en Amsterdam, fue este último el que más influyó en el artista y el que le transmitió las tendencias italianizantes en boga. De hecho, sus primeras creaciones (como la Lapidación de san Esteban) manifiestan una evidente influencia del estilo de Pieter Lastman.
En 1625, considerándose ya formado, abrió taller en Leiden junto con Jan Lievens (quien después siguió una trayectoria muy distinta), y no tardó en contar con una amplia clientela. Durante los años de Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una creciente afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo el artista de esta nota tan típica del Barroco es lo que confiere a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles. Ya en época temprana, hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más poderoso medio de expresión del pintor, tal como evidencian obras como Sansón traicionado por Dalila y La presentación de Jesús en el templo.
En 1630, a raíz de la muerte de su padre, se trasladó a Amsterdam, donde se asoció con el marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija, Saskia, se casó. Comenzó entonces para él una etapa de prosperidad económica y de vida mundana, que se truncó repentinamente en 1642, año de la muerte de su esposa. Los reveses económicos se sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus pertenencias (casa, colecciones de arte, etc.). El consuelo le llegó de la mano de Hendrickje Stoffels, que entró a su servicio para hacerse cargo de su hijo Tito y con quien mantuvo una relación sentimental, sin llegar a casarse con ella para no perder la herencia de Saskia.
Las dos etapas, próspera y adversa, de la vida de Rembrandt van Rijn se reflejan en sus obras, particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo de toda su carrera; mientras que los primeros son alegres, brillantes y un tanto superficiales, los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una profundidad muy superior. De los numerosos géneros que cultivó, el religioso y el retrato fueron los dos en que más brilló su talento de maestro del Barroco.
A Rembrandt se le recuerda, de hecho, sobre todo por sus magistrales retratos de grupo, absolutamente alejados de los convencionalismos al uso. La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio.
En las creaciones de los últimos años (El hombre del yelmo de oro, Jacob bendice a los hijos de José o La novia judía), el pintor eleva todas sus conquistas al plano de la madurez, del estilo conseguido a base de años y de esfuerzo, y manifiesta un absoluto dominio de las técnicas y de los efectos.
Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, que dejó cerca de 1.500 dibujos y alrededor de 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos. En todo ello se asemejan a las pinturas del artista, de las cuales se diferencian en la mayor importancia que en dibujos y grabados tiene la línea sobre el claroscuro.

La Compañía - Rembrandt -1642

Compañía militar de Distrito II, bajo el mando del capitán Frans Banninck Cocq, también conocida como La Compañía de disparo de Frans Banning Cocq y Willem van Ruytenburch, pero comúnmente conocida como La ronda de noche (holandés: De Nachtwacht), es una pintura 1642 de Rembrandt van Rijn.
La pintura puede ser titulado más apropiadamente por su larga ya que el nombre olvidado de la compañía del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytenburch preparándose para marchar. En el siglo 18 la pintura llegó a ser conocido como la ronda de noche. Es un lugar destacado se muestra en el Rijksmuseum, Amsterdam, los Países Bajos, como la pintura más conocida en su colección. La ronda de noche es un ejemplo de renombre mundial de arte barroco.

El Molino – Rembrandt – 1645/48

El Molino es una pintura del artista barroco holandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Es en la colección permanente de la Galería Nacional de Arte en Washington DC. Durante mucho tiempo, la atribución a Rembrandt se consideraba dudoso; ha sido restaurado en los últimos años, a pesar de que no es universalmente accepted.The pintura estaba antes en la Colección Orleans. Una vez fue propiedad de Peter Arrell Marrón Widener.

Webgrafía

·         biografiasyvidas.com, recuperado de : http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rembrandt.htm, 21/04/2015

miércoles, 15 de abril de 2015

Madona Benois - Leonardo da Vinci- 1478-1482

Es en cuadro de la época renacentista de Leonardo Da Vinci pintada al óleo sobre un transportado de tela, realizada con la técnica de claro oscuro la cual oscurece las figuras y las hace parecer en tres dimensiones. Esta obra se considera la transición del pintor desde Florencia hacia Milán.




La Creacion de Adan (Capilla sixtina) - Miguel Angel - 1511
La creación de Adán es una pintura al fresco creada alrededor de 1511 y restaurada en 1980 y se encuentra en interior del techo de la Capilla Sixtina en Roma. Dios es representado como un hombre mayor que está rodeado por ángeles y Adán representado de una forma más humanizada. Esta obra está basada en el génesis de la Biblia de donde en Autor tomo su inspiración.



La Transfiguración -Rafael Sanzio - 1517-1520 

La transfiguración es el último cuadro pintado por el maestro italiano del Alto Renacimiento Raphael. Encargado por el cardenal Giulio de Medici, el futuro papa Clemente VII (1523-1534) y concebida como un retablo para la Catedral de Narbona en Francia, Rafael trabajó en ella hasta su muerte en 1520. La pintura es un ejemplo de desarrollo de Raphael como artista y la culminación de su carrera. Inusualmente para una representación de la Transfiguración de Jesús en el arte cristiano, el tema se combina con un episodio adicional de los Evangelios en la parte inferior del cuadro.



Diana e AtteoneTiziano-1556-1559
Diana y Acteón es un cuadro pintado por el maestro renacentista italiano Tiziano, en 1556-1559, y se considera entre las más grandes obras de Tiziano. Retrata el momento en el que la diosa Diana reúne Acteón. Diana es la mujer en la parte derecha de la pintura. Ella lleva una corona con una media luna en él y está siendo cubierta por la mujer de piel oscura que puede ser su siervo o esclavo. 


El Taj Mahal


El Taj Mahal  no es solo una de las maravillas del mundo moderno, es mucho más. Este  complejo de edificios construido entre 1631 y 1654 en la ciudad de Agra (India)  por un emperador Shah Jahan como mausoleo para su esposa Mumtaz Mahal

Años después de coronarse, Mumtaz Mahal, no resistió el parto de su 14º hija. En su lecho de muerte, la reina le pidió a su rey que construyera en su memoria un monumento sin igual en el mundo.
En su memoria contrató a 20.000 obreros para construir el que sería el mejor mausoleo del mundo y un ejemplo de simetría. El mausoleo de Taj Mahal, tiene ese nombre en honor también a su esposa, Mumtaz-i Mahal, cuyo nombre significa Perla del Palacio, según otras Elegida del Palacio. El nombre del mausoleo, Taj Mahal, a veces es considerado como una abreviatura del propio nombre de la emperatriz, pero también significa Corona del Palacio ya que, aunque se trata de una tumba, el emperador quiso ofrecerle a su esposa un palacio y una corona.
En una curva del río Yamuna se eligió el emplazamiento del increíble mausoleo.
Veintidós años de construcción con los mejores materiales, el mármol fino y blanco de sus paredes se trajo de las canteras de Jodhpur en elefantes, jade y cristal de la China, turquesas del Tibet, lapislázuli de Afganistán, crisolita de Egipto, ágata del Yemen, zafiros de Ceylán, amatistas de Persia, coral de Arabia, malaquita de Rusia, cuarzo del  Himalaya, diamantes de Golconda y ámbar del océano Indico.



No se sabe quién fue exactamente el arquitecto del Taj Mahal. Se menciona el nombre de Ustad Isa, pero si este personaje existió o no, es pura conjetura. Otra leyenda local dice que el emperador mató a la esposa del arquitecto para que sintiera el mismo dolor que él quería reflejar al construir el edificio, y que después lo dejó ciego y cortó las manos para que nunca construyera algo igual, pero es algo que nunca se ha podido comprobar.
El emperador Shah Jahan quería construir su propio mausoleo en mármol negro, a imagen y semejanza del de su esposa, al otro lado del río Yamuna, y unir después ambos mediante un puente de oro. Hoy, al otro lado del río, frente al Taj Mahal, queda un resto, en piedra roja, de lo que se dice que fue el inicio de la construcción del edificio gemelo del Taj Mahal. Pero no llegó a construirse ya que Aurangzeb, tercer hijo de Shah Jahan, después de vencer a sus hermanos y hacerse con el poder, encarceló a su propio padre en la fortaleza roja de Agra.
Shah Jahan murió en prisión, después de largos años de enfermedad, contemplando desde sus alojamientos en el Fuerte Rojo el Taj Mahal, su gran obra, monumento a su amada y refugio para el descanso eterno de ambos. En su lecho de muerte, a los 74 años, pidió que se le colocara un espejo para ver la tumba de su esposa. Se dice que cuando murió, miraba el Taj Mahal.
El mausoleo está emplazado en un jardín simétrico, típicamente musulmán, dividido en cuadrados iguales, cruzado por un canal flanqueado por dos filas de cipreses donde se refleja su imagen más imponente.  Hoy en día los jardines siguen siendo arados por bueyes, para sorpresa de muchos turistas.
El mausoleo, por dentro, deslumbra menos que por fuera. La cámara mortuoria está rodeada de finas paredes de mármol incrustadas con piedras preciosas que filtran la luz natural, traduciendo su belleza en mil colores. La sonoridad del interior, amplio y elevado, es triste y misteriosa, como un eco que suena y resuena, y nunca se detiene.
Pero el hijo del Shah Jahan rompió con la perfecta simetría del mausoleo por venganza, al enterrar a su padre al lado de Mumtaz Mahal. Ella está representada por una pequeña loza, y el Rey, por un tintero, símbolo de la mujer como un papel en blanco en la que escribe su marido.
El Taj Mahal no se trata de un solo edificio, sino de todo un complejo de grandes dimensiones. En total 22 pequeñas cúpulas  simbolizan los 22 años que duró la construcción del Taj Mahal. Sobre el edificio hay una gran cúpula en el centro que es la Corona del palacio, Taj Mahal. Rodeando a esta hay cuatro chattris de cúpulas más pequeñas; y en los extremos de la plataforma se alzan cuatro minaretes culminados en cúpulas más pequeñas aún, construidos con cierta inclinación hacia afuera para que, en caso de derrumbamiento, no caigan sobre el edificio principal.
Rodeando al recinto hay una alta muralla de arenisca roja, rodeada a su vez de jardines, con una monumental puerta de entrada en el sur; por ella se accede a un inmenso patio de 300 m de ancho con un estanque de mármol en el centro y numerosos jardines y fuentes; el mausoleo propiamente dicho, construcción a la que habitualmente se hace referencia con la denominación de Taj Mahal, flanqueado por dos edificios simétricos,  al oeste una mezquita de tres cúpulas construida en arenisca roja y mármol blanco, al este el llamado eco de la mezquita que no se usa para el culto por estar orientado en dirección errónea y cuya finalidad es mantener la simetría, siendo el río el telón de fondo de todo el impresionante conjunto.  
 El Taj Mahal tiene algo de mágico, quizás por la tonalidad que  le confiere el mármol del que está formado que cambia de color según la luz que recibe, o quizás por su significado, el caso es que al verlo nadie queda indiferente.



miércoles, 8 de abril de 2015

Casa de la Cultura Ecuatoriana - Sala “Diógenes Paredes” Arte Contemporáneo  

El museo de la Casa de la cultura Ecuatoriana en Quito podemos encontrar la sala Diógenes Paredes, en la cual se exhibe permanentemente una muestra de Arte contemporáneo de algunos de los principales artistas ecuatorianos. Entre las temáticas que podemos apreciar tenemos muchas pinturas abstractas. Algunas de las obras que podemos encontrar son de estilo minimista, otras pocas son impresionistas, pero en su gran mayoría cuentan con un estilo surrealista moderno. Las técnicas de estas obras son al oleo, mixta y en acrílico.

El simbolismo está presente en esta muestra de maneras muy diversas y teniendo un menor número de obras, en comparación a las de otras salas con el mismo concepto. Es así que podemos observar  obras que muestran muchos temas de carácter social,  también escenas, personas y objetos que todos observamos en la vida cotidiana, pero vistas de una manera distinta, según los ojos del artista. Entre los Artistas más destacados tenemos a Segundo Espinel, Luigi Stornaiolo, Germán Pavón, Nelson Román, Carlos Viver, entre otros. A continuación un poco de la biografía uno de los pintores que han contribuido a esta sala  Luigi Stornaiolo y el análisis de su obra Simbolismo 2.

Biografía de Luigi Stornaiolo
Luigi Stornaiolo Pimentel (b. Quito, 9 de Junio, 1956) es un pintor ecuatoriano.
Ha expuesto su obra en Perú, Brasil, Canadá, Australia, México, Bélgica, Puerto Rico, Miami, Nueva York, y Venezuela.
En 1980 tuvo su primera exposición de arte en la galería "Club de Arte" donde presentó su trabajo titulado "Dibujos irónicos dentro del realismo lúcido y casi fotográfica en sus detalles".
Su padre Bruno Stornaiolo Miranda nació en Nápoles, Italia, fue un psicólogo clínico, y fue autor de una novela llamada Réquiem Por un dinosaurio (Réquiem por un dinosaurio), y relatos cortos. Su madre, Angela Pimentel Franco, nació en Quito.
Está casado con Nelly Witt Vorbeck, y tienen una hija llamada Silvia Anna. Desde que conocí a Nelly en 1974 que ha sido su musa, y existe cerca de 40 pinturas al óleo de ella en su casa.
Fue galardonado con el Premio Nacional de Ecuador en el Arte "Premio Eugenio Espejo" en 2011.


Luigi Stornaiolo
Simbolismo 2 – 2005

Luigi Stornaiolo, Simbolismo 2 – 2005

Esta obra nos transmite un poco de la desesperación humana, un conflicto de una multitud conformada por personas que juegan distintos roles aunque con expresiones fáciles poco detalladas podemos entender casi en su totalidad lo que cada una nos trata de transmitir. Esta pintura es al oleo y destacan mucho colores vivos como rojo, anaranjado, blanco y azul, que contrastan a su vez con tonos más oscuros en el fondo.



Tierra o Generosidad (Serie Tierra), Grace Pólit – 1983
Esta Pintura en Acrílico tiene un estilo aparentemente no muy elaborado a simple vista, pero prestando atención se pueden observar dos imágenes en la misma obra, la primera una llanura de tierra con un atardecer de fondo y la segunda es el contorno de una mujer que da la sensación de estar recostada en el lienzo.



Espacio Mayor, Tomas Ochoa – 2002
Una pintura en oleo que nos muestra un espacio vacío  aparentemente de una habitación dentro de un edificio antiguo que contrasta con la figura en rojo que se sobrepone a la imagen y que tiene el aspecto al de un globo terráqueo. Junto a esta imagen pero en la misma pintura encontramos un contorno de una figura física rodeada por un mismo tono rojo, y que contrasta bien con los tonos marrones de la habitación.



Confesor de Monje, Washington Mosquera - 2005
Una pintura en técnica mixta con un bajo relieve y en tonos en su mayoría marrones claros y opacos, nos muestra la imagen de unas escaleras que nos llevan a una entrada no muy grande y un poco irregular y en la cual podemos observar dos contornos que nos dan la sensación de arrepentimiento o tristeza en uno de ellos y de un poso de supremacía en el otro. 



Tiro al Blanco al Pájaro Rojo, Carlos Viver – 1951
Pintura al oleo de un estilo un poco abstracto pero que al mismo tiempo nos transmite el mensaje de que se puede encentras armonía en las cosas más simples, usando tonos opacos que ayudan a destacar mas el contorno del pájaro color rojo en medio de ellos.

Webgrafía

CasadelaCultura.gob.ec - http://www.casadelacultura.gob.ec/

Grandes Maestros del Arte Popular Iberoamericana

La exposición "Grandes Maestros del Arte Popular de Iberoamérica", que se encuentra en el Centro Cultural Metropolitano de Quito, estará abierta al público del 27 de marzo.. La muestra, que ya pasó por países como México, España, Colombia, Brasil, Argentina y Estados Unidos, es conformada por obras de 500 artistas de 22 países. De estos artistas, 32 son ecuatorianos. Los trabajos tienen diferentes materias primas y técnicas, como cerámica, madera, metalistería y orfebrería, piel, papel, textiles, fibras vegetales, entre otros. Al país llegaron 2.552 obras de diferentes ramas en lo que se refiere al barro, la madera, las fibras vegetales, los textiles, orfebrería, papel y materiales varios que, a su vez, se dividen en diferentes especialidades.
El espectador se encontrará con una gigantesca propuesta que no divide el trabajo de un país con el otro, sino más bien une en cada una de las ramas las distintas propuestas de cada lugar. Es decir, se logra un sincretismo muy interesante en cada expresión de la tradición de cada pueblo. “Este proyecto permite un acercamiento panorámico al trabajo de los grandes maestros del arte popular de Iberoamérica. Podemos reconocer su calidad y evidenciar la importancia de la creación artesanal en el legado cultural y ancestral de cada uno de los países que integran la exhibición”, expresó Cándida Fernández, curadora de la muestra y directora de Fomento Cultural Banamex.
Eduardo Sánchez Rodríguez, Virgen de Guadalupe – 2007
Concha nácar pulida, entintada y adherida sobre madera creada en nuevo León, Monterrey, México. Esta obra es una interpretación de la famosa imagen de la Virgen de Guadalupe pero dándole el estilo del autor al trabajas en materiales poco convencionales y en solo dos tonos.

Eduardo Sánchez Rodríguez, La coronación de Fernando VII – 2010

Técnica utilizada Plumas recortadas y pegadas con cola de orquídeas sobre papel amate y tabla de madera, Nuevo León, Monterrey, México. Esta obra nos muestra una recreación de una de las muchas obras que recrean la coronación de Fernando VII de España en 1808. Es una obra que consigue un alto Grado de detalle a pesar del material que se emplea.


Luis Guillermo Olay Barrientos, Bodegón – 2012

Tallos de cereales decorados adheridos con cera de Campeche, Thalpujahua, México. Una obra que refleja la diversidad dentro de la cultura de este pueblo, mostrando una especie de collage donde estos se complementan. Utiliza colores en tonos rojos y amarillos en su mayoría. Destacando el contorno Blanco que rodea a la imagen de la Virgen de Guadalupe.


Taller de talla de Piedra, Hacienda de Ochil - 2000

Replica prehispánica de auto sacrificio Piedra caliza tallada. Esta es una escultura en piedra y a su tono natural que destaca las formas de los relieves de esta. Esta escultura recrea una ceremonia tradicional de un pueblo precolombino de la forma en que esto daban forma a sus imágenes y esculturas.


Dionisia Ferrer, Mantel Bordado – 2007
Algodón bordado en punto al Pasado, Tenango de Doria, Hidalgo México. Esta es una obra en la que podemos apreciar representaciones de animales y plantas que están interactuando entre si y con colores muy vivos y variados.

Webgrafía.

Noticiasquito.gob.ec, http://www.noticiasquito.gob.ec/Noticias/news_user_view/10_mil_personas_ya_han_visitado_la_exposicion_grandes_maestros_de_arte_popular_de_iberoamerica_en_el_ccm--13750








Alberto Carcelén,  Bitácora de un artista , Casa de la Cultura Ecuatoriana 2015


Alberto Carcelén inaugurará su Bitácora de un artista, una exposición de pintura y dibujo en una retrospectiva de 40 años de carrera artística del pintor ecuatoriano. Por cumplirse próximamente 40 años de trayectoria artística del duraneño Alberto Eusebio Carcelén Carranza, la Unión Nacional de Artistas Populares del Ecuador (Unape), y el Frente de Artistas Populares (FAP), han organizado la exposición pictórica retrospectiva ‘Bitácora de un artista’ se lleva a cabo en la ciudad de Quito, en la sala Víctor Mideros de la Casa de la Cultura Ecuatoriana.
En Esta exposición podemos observar obras que reflejan escenas de la vida cotidiana, la ideología, los problemas y entre otros aspectos que el autor ha observado y posteriormente plasmado acerca de la vida en el país, es así como en esta recopilación de obras en sus 40 años de trayectoria podemos ver como ha sido sus inicios y como ha ido evolucionando su obra atreves de los años

Alberto Carcelén Biografía


Artista y pintor popular. Nace en Durán en 1955, estudió en el colegio de Bellas Artes de Guayaquil y en la Universidad Central del Ecuador en la facultad de Artes. Ganador del premio nacional de dibujo 1986, fue tesorero de la UNAPE, es presidente de la asociación de artistas plásticos “Arte en el Ejido” y organizador del grupo de pintores de la UNAPE “Los Carboneros”. Hace del arte su estilo de vida teniendo un compromiso claro con el arte popular desde los 20 años en el taller de arte “La Huella”. “El pintor debe crear nuevas propuestas de creación en conciencia con lo que ha vivido y esto hace que la gente se identifiqué con las obras de arte”. Además de crear una identificación con sus pinturas hace propuestas de cambio y transformación.