Resumen Las Venas Abiertas de América Latina

Fiebre del oro, fiebre de la plata

El Primer capítulo de este libro nos narra cómo empezó la fiebre del oro en Europa después de la llegada de colon.Todo empieza en 1492, cuando Cristóbal Colon sale de España en busca de rutas alternas, para el comercio marítimo de especies con la india, pero no contaban con encontrar tierra en el camino ya que no era conocida la existencia del continente. Aunque Colon fue el primero en encontrarse con el nuevo continente, el murió sin saber que había descubierto el nuevo mundo. La Reina Isabel de España fue proclamada “dueña y señora del nuevo mundo”. Los españoles empezaron a viajar en busca de riquezas, ya que era de suponer que eran territorios poco o nada explotados.

La ciudad de Potosí, en lo que ahora es el territorio de Bolivia, era la ciudad de la plata, en la cual hasta las herradura de los caballos eran de plata. En ese entonces esta era la ciudad más valiosa para los Españoles por toda la plata se extrajo de ella y que servían para cubrir casi en su totalidad la gran deuda de la corona española con los banqueros alemanes, genoveses, flamencos y españoles. Un echo mencionable que nos da una idea de la ambición que se tenía por la plata es que a los colonizadores españoles no les interesaba comer gatos, ratas o perros, ya que el ganado no era muy abundante en la época y casi no había quien cultivara la tierra por que la mayoría de los esclavos se encontraban trabajando en las minas de Plata.

Por otro lado en España las riquezas del nuevo mundo no hacían más que alargar las diferencias entre pobres y ricos, los ricos se hacían aún más ricos y la pobreza aumentaba cada vez más. La mala administración en la corona española hacia que el país no avanzará, tanto así que desde la muerte de Carlos V a la Muerte de Felipe II, las industrias se vieron seriamente reducidas ya que era más económico fabricar cosas como el tejido con mano de obra esclavizada en el nuevo continente, pero mayormente al derroche que existía, es decir todo se compraba, lo cual influencio junto con las enfermedades a la disminución de la población en España.

El Rey azúcar y otros monarcas agrícolas

Este es el capítulo más largo del libro y nos habla más ampliamente de la usurpación de recursos en distintos lugares del continente por potencias más grandes que ellos,  muchos de los recursos explotados fueron el azúcar en Cuba, el caucho en Brasil, la banana y el cacao en Ecuador y Colombia, la palta y el cobre en Bolivia y Chile, etc.

La explotación del oro incrementó la traída de esclavos desde África, además de trasladar mano de obra de las plantaciones de Brasil hacia el occidente de la región, lo cual provocó unos escases de mano de obra en estas plantaciones, esto causo el trafico de esclavos por parte de Holanda e Inglaterra.

Las Nuevas Riquezas que se dieron por el comercio del azúcar y el tabaco en América Latina una relativa “prosperidad” muy parecida a las que se dieron posteriores a la conquiste por la explotación del oro y de la planta. Esta riqueza de america latina ayudo e impulso el desarrollo industrial en Europa y Estados Unidos. Más adelante la industrialización en auge incrementó el consumo del azúcar en Brasil. Barbados fue la primera isla del Caribe donde se cultivó el azúcar para la exportación. En la segunda mitad del siglo, el mejor azúcar ahora se obtenía de Haití, que aun seguía siendo una colonia Francesa llamada Saint Domingue, hasta 1825 Francia reconoció la Independencia de su antigua colonia, pero a cambio de una gigantesca indemnización en efectivo.

Cuando la Revolución conquistó el poder, según Fidel Castro la mayoría de los cubanos no era ni siquiera antiimperialista. El Che Guevara decía que el subdesarrollo es un enano de cabeza enorme y panza hinchada: sus piernas débiles y sus brazos cortos no armonizan con el resto del cuerpo. El capital acumulado en el comercio triangular manufacturas, esclavos, azúcar– hizo posible la invención de la máquina de vapor.

A principios del siglo XIX, Gran Bretaña se convirtió en la principal impulsora de la campaña antiesclavista. En 1888 se abolió la esclavitud en Brasil. Pero no se abolió el latifundio. El boom del caucho y el auge del café implicaron grandes levas de trabajadores nordestinos. La CEPAL informa que, por increíble que parezca, el café arroja más riqueza en las arcas estatales de los países europeos, que la riqueza que deja en manos de los países productores.

La reforma agraria se proponía desarrollar la economía capitalista campesina y la economía capitalista de la agricultura en general. América Latina tuvo pronto sus constituciones burguesas, muy barnizadas de liberalismo, pero no tuvo, en cambio, una burguesía creadora, al estilo europeo o norteamericano, que propusiera como misión histórica el desarrollo del capitalismo nacional pujante.

Las burguesías de esas tierras habían nacido como simples instrumentos del capitalismo internacional, prósperas piezas del engranaje mundial que sangraba a las colonias y a las colonias. Frustración económica, frustración social: una historia de traiciones sucedió a la independencia y América Latina, desgarrada por sus nuevas fronteras, continuó condenada al monocultivo y a la dependencia.

En 1910 llegó la hora del desquite. México se alzó en armas contra Porfirio Díaz. Un caudillo agrarista encabezó desde entonces la insurrección en el sur: Emiliano Zapata, el más puro de los líderes de la revolución, el más leal a la causa de los pobres, el más fervoroso en su voluntad de redención social. Después de la caída del régimen de Huerta, Emiliano Zapata y Pancho Villa, entraron el Ciudad de México a paso de vencedores y fugazmente compartieron el poder. En 1919 una estratagema y una traición terminaron con la vida de Emiliano Zapata. Mil hombres emboscados descargaron los fusiles sobre su cuerpo. Murió a la misma edad que la che Guevara.

El latifundio y sus pariente pobre, el minifundio, constituyen, en casi todos los países latinoamericanos, el cuello de botella que estrangula el crecimiento agropecuario y el desarrollo de la economía toda. Juan Domingo Perón había desafiado los intereses de la oligarquía terrateniente de la Argentina, cuando impuso el estatuto del peón y el cumplimiento del salario mínimo rural. La colonización resulta una simple extensión del área latifundista.

Las fuentes subterráneas del poder

Capítulo dedicado a las riquezas mineras y las atrocidades cometidas en su nombre. Históricamente, una de las razones principales de los Estados Unidos para invertir en el exterior es el desarrollo de recursos naturales, particularmente minerales y, más especialmente, petróleo. Perú creía que era independiente, pero Inglaterra había ocupado el lugar de España. El país se sintió rico  escribío Mariátegui. El cobre no demoró mucho en ocupar el lugar del salitre como viga maestra de la economía chilena, al tiempo que la hegemonía británica cedía pasó al dominio de los Estados Unidos.

El petróleo es la riqueza más monopolizada en todo el sistema capitalista. Son las empresas quienes deciden, con un lápiz sobre el mapa del mundo, cuáles han de ser las zonas de explotación y cuáles de las de reserva, y son ellas quienes fijan los precios que han de cobrar los productores y pagar los consumidores.

Segunda parte

Historia de la muerte temprana

La economía británica pagaba con tejidos de algodón los cueros del rio de la plata, el guano y el nitrato de Perú, el cobre de chile el azúcar de Cuba y el café de Brasil. En 180 empezaría parte de la revolución, pero antes las tropas británicas habían conquistado trinidad, en el Caribe, en 1812 algunos comerciantes británicos comunicaban hemos logrado remplazar hemos logrado remplazar con éxito los tejidos alemanes y franceses, también hemos remplazado la producción de los tejidos argentinos y esto se dio también en otras regiones de América latina.

En 1837 argentina recibe de Inglaterra desde la vestimenta hasta las piedras de la vereda, luego Gran Bretaña suministro a Brasil sus barcos de vapor y de vela, pasándole al igual que argentina ser dependiente de Inglaterra. Inglaterra organizaba un sistema universal y se convertía en la prodigiosa fábrica abastecedora del planeta; ya que todo lo que se producía en el mundo llegaba a Inglaterra y este lo distribuía. Luego del ingreso de América latina en la órbita británica, de la que solo saldría para incorporarse a orbita norteamericana. El liberalismo que la independencia trajo consigo agregaba perlas a la corona británica y paralizando los obrajes textiles y metalúrgicos de México, Puebla y Guadalajara.

 Lucas Alemán, se hizo industrial, creo la mayor fábrica textil mexicana del año de 1850 se llamaba Cocolopan la cual todavía existe. Los paraguayos decían somos pobres y pocos, ellos buscaban mejor suerte en las cosechas de algodón en Buenos Aires y Brasil. Paraguay a pesar de haber sido el país más avanzado de América del sur, hace un siglo ahora es junto a Bolivia uno de los países más pobres y atrasados. Se llamó la guerra de la triple alianza: Brasil, Argentina y Uruguay tuvieran a su cargo el genocidio contra Paraguay. Paraguay era el único país de América latina que no tenía mendigos ni ladrones, lo cual los viajeros de aquel tiempo encontraban allí tranquilidad, el norteamericano Hopkins informaba en 1845 a su gobierno que en Paraguay no hay niño que no sepa leer ni escribir, esta guerra que se daría a cabo contra Paraguay se da por motivo de que era más desarrollado que Brasil, Argentina y Uruguay, aunque los países con ambiciones de ganar eran Argentina que aseguraba todo el territorio de misiones y el inmenso Chaco, Brasil devoraba una extensión inmensa hacia el oeste de sus fronteras.

A Uruguay, gobernado por un títere de ambas potencias, no le tocaba nada. Luego George Washington lo había aconsejado en su mensaje de adiós: los estados unidos debían seguir una ruta solitaria. Luego Emerson proclama en 1837, hemos escuchado durante demasiado tiempo a las musas de Europa. Nosotros marcharemos sobre nuestros propios pies, trabajaremos con nuestras propias manos y hablaremos según nuestras propias convicciones.A fines del siglo pasado los Estados Unidos eran la primera potencia mundial del planeta, y ya el centro del universo capitalista empezaba a cambiar de sitio. La estructura contemporánea del despojo: en contraste con el capítulo anterior, éste trata cómo continúa el saqueo por vías más indirectas pero no menos efectivas, mediante un sistema colonial opresor hacia adentro y oprimido desde fuera.

Es por esto que se empezaron a preguntar ¿Qué suerte correría el imperio sin el petróleo y los minerales de América latina? La economía norteamericana no puede prescindir de los abastecimientos vitales y jugosos que llegan desde el sur. Estados unidos necesita a América latina, como los pulmones necesitan al aire. El Fondo Monetario Internacional nació en Estados Unidos, tiene su sede en Estados Unidos y está al servicio de Estados Unidos. El Banco Mundial  y el Fondo Monetario Internacional actúan conjuntamente, pues tienen metas comunes.

El Banco mundial y el Fondo Monetario Internacional, mantienen ejerciendo presiones para que los países Latinoamericanos remodelen constantemente su economía en función del pago de la deuda externa y por eso la deuda externa sigue creciendo y los productos que vende América Latina cada vez valen menos, y cada vez es más caro lo que se compra. Mediante el Fondo Monetario Internacional, los Estados Unidos impone en Latinoamérica la doctrina del libre comercio. Estados Unidos desde 1803, ha comprado Luisiana a Francia, luego siguió Alaska a un precio miserable a la derrotada nobleza rusa, la usurpación de Hawái, Puerto Rico y Filipinas.

Biografía de Francisco de Goya

Francisco de Goya y Lucientes nació el 30 de marzo de 1746, en Fuendetodos, un pueblo en el norte de España. La familia se mudó a Zaragoza, donde el padre de Goya trabajó como dorador. A eso de las 14 jóvenes Goya fue aprendiz de José Luzán, pintor local. Más tarde se fue a Italia para continuar sus estudios de arte. A su regreso a Zaragoza en 1771, pintó los frescos de la catedral local. Estas obras, realizadas en la tradición decorativa rococó, establecieron la reputación artística de Goya. En 1773 se casó con Josefa Bayeu, hermana del artista Zaragoza Francisco Bayeu. La pareja tuvo muchos hijos, pero sólo uno - un hijo, Xavier - sobrevivió hasta la edad adulta.

La experiencia le ayudó a convertirse en un gran observador de la conducta humana. Él también fue influenciado por el neoclasicismo, que fue ganando favor en el estilo rococó. Por último, el estudio de las obras de Velázquez en la colección real resultó en una técnica de pintura más suelta, más espontáneo.

Una grave enfermedad en 1792 dejó Goya permanentemente sordo. Aislado de otros por su sordera, se convirtió cada vez más ocupado con las fantasías e invenciones de su imaginación y con observaciones críticas y satíricas de la humanidad. Se desarrolló una nueva y audaz estilo cercano libre de caricatura. En 1799 publicó los Caprichos, una serie de grabados que satirizan la locura humana y la debilidad. Sus retratos se hicieron penetrar caracterizaciones, revelando sus súbditos como Goya los vio. En sus frescos religiosos empleó un amplio, estilo libre y un realismo sin precedentes en tierra arte religioso.

Goya se desempeñó como director de la pintura en la Real Academia desde 1795 hasta 1797 y fue nombrado primer pintor de la corte española en 1799. Durante la invasión napoleónica y la Guerra de la Independencia Española 1808-1814, Goya trabajó como pintor de la corte a los franceses. Expresó su horror del conflicto armado en Los desastres de la guerra, una serie de grabados crudamente realistas sobre las atrocidades de la guerra. Ellos no fueron publicados hasta 1863, mucho después de la muerte de Goya.

Tras la restauración de la monarquía española, Goya fue indultado por servir a los franceses, pero su trabajo no se vio favorecido por el nuevo rey. Él fue llamado ante la Inquisición de explicar su retrato anterior de La Maja Desnuda, uno de los pocos desnudos en el arte español de la época.

En 1816 publicó sus aguafuertes sobre las corridas de toros, llamó a la Tauromaquia. De 1819 a 1824 Goya vivió en reclusión en una casa de las afueras de Madrid. Libre de las restricciones de la corte, que adoptó un estilo cada vez más personal. En las pinturas negras, ejecutados en las paredes de su casa, Goya dio expresión a sus visiones más oscuras. Una cualidad de pesadilla similares persigue la satírica Disparates, una serie de grabados también llamado Proverbios.

En 1824, tras el fracaso de un intento de restaurar el gobierno liberal, Goya se fue al exilio voluntario en Francia. Se instaló en Burdeos, seguir trabajando hasta su muerte allí el 16 de abril de 1828. Hoy en día muchos de sus mejores pinturas cuelgan en Prado museo de arte de Madrid. (De WebMuseo)

Saturno devorando a un hijo – Goya

Saturno devorando a un hijo es el nombre dado a una pintura del artista español Francisco Goya. De acuerdo con la interpretación tradicional, que representa el mito griego del titán Cronos (en el título romanizado a Saturno), que, temiendo que iba a ser derrocado por uno de sus hijos, se comió cada uno sobre su nacimiento. La obra es una de las 14 pinturas negras que Goya pintó directamente sobre las paredes de su casa en algún momento entre 1819 y 1823. Fue transferido a la lona después de la muerte de Goya y desde entonces se ha celebrado en el Museo del Prado de Madrid.

El sueño de la razón produce monstruos – Goya

Es un grabado del pintor español Francisco de Goya y grabador. Creado entre 1797 y 1799, es la 43 de 80 grabados que componen la serie de sátiras Los Caprichos. Goya se imagina dormida en medio de sus herramientas de dibujo, su razón embotado por el sueño y acosado por las criaturas que merodean en la oscuridad. El trabajo incluye búhos que pueden ser símbolos de la locura y los murciélagos que simbolizan la ignorancia. Pesadilla del artista refleja su visión de la sociedad española, que interpretó en los Caprichos como demente, corrupto, y maduro para el ridículo. El epígrafe completo para Capricho No. 43 se lee; "Fantasía abandonada por la razón produce monstruos imposibles: unida con ella, ella es la madre de las artes y el origen de sus maravillas."

El Coloso – Goya

El Coloso (también conocido como El Gigante), Es una pintura tradicionalmente atribuido a Francisco de Goya que muestra un gigante en el centro de la tela a caminar hacia el lado izquierdo de la imagen. Montañas oscurecen las piernas hasta los muslos y las nubes que rodean su cuerpo; el gigante parece estar adoptando una postura agresiva como es la celebración de uno de sus puños a la altura del hombro. Un valle oscuro que contiene una multitud de personas y hatos de ganado que huyen en todas direcciones ocupa el tercio inferior de la pintura. La pintura se convirtió en la propiedad del hijo de Goya, Javier Goya, en 1812. La pintura fue más tarde propiedad de Pedro Fernández Durán, quien legó su colección al madrileño Museo del Prado, donde se ha mantenido desde 1931.

Rembrandt - Biografía

(Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Leiden, Países Bajos, 1606 - Amsterdam, 1669) Pintor holandés. Nacido en el seno de una acomodada familia de molineros, Rembrandt van Rijn recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse a la pintura. De los dos maestros que tuvo, uno en Leiden y otro en Amsterdam, fue este último el que más influyó en el artista y el que le transmitió las tendencias italianizantes en boga. De hecho, sus primeras creaciones (como la Lapidación de san Esteban) manifiestan una evidente influencia del estilo de Pieter Lastman.

En 1625, considerándose ya formado, abrió taller en Leiden junto con Jan Lievens (quien después siguió una trayectoria muy distinta), y no tardó en contar con una amplia clientela. Durante los años de Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una creciente afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo el artista de esta nota tan típica del Barroco es lo que confiere a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles. Ya en época temprana, hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más poderoso medio de expresión del pintor, tal como evidencian obras como Sansón traicionado por Dalila y La presentación de Jesús en el templo.

En 1630, a raíz de la muerte de su padre, se trasladó a Amsterdam, donde se asoció con el marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija, Saskia, se casó. Comenzó entonces para él una etapa de prosperidad económica y de vida mundana, que se truncó repentinamente en 1642, año de la muerte de su esposa. Los reveses económicos se sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus pertenencias (casa, colecciones de arte, etc.). El consuelo le llegó de la mano de Hendrickje Stoffels, que entró a su servicio para hacerse cargo de su hijo Tito y con quien mantuvo una relación sentimental, sin llegar a casarse con ella para no perder la herencia de Saskia.

Las dos etapas, próspera y adversa, de la vida de Rembrandt van Rijn se reflejan en sus obras, particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo de toda su carrera; mientras que los primeros son alegres, brillantes y un tanto superficiales, los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una profundidad muy superior. De los numerosos géneros que cultivó, el religioso y el retrato fueron los dos en que más brilló su talento de maestro del Barroco.

A Rembrandt se le recuerda, de hecho, sobre todo por sus magistrales retratos de grupo, absolutamente alejados de los convencionalismos al uso. La maestría compositiva, la perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de pañeros) unas obras llenas de vida y de genio.

En las creaciones de los últimos años (El hombre del yelmo de oro, Jacob bendice a los hijos de José o La novia judía), el pintor eleva todas sus conquistas al plano de la madurez, del estilo conseguido a base de años y de esfuerzo, y manifiesta un absoluto dominio de las técnicas y de los efectos.

Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, que dejó cerca de 1.500 dibujos y alrededor de 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos. En todo ello se asemejan a las pinturas del artista, de las cuales se diferencian en la mayor importancia que en dibujos y grabados tiene la línea sobre el claroscuro.

La Compañía - Rembrandt -1642

Compañía militar de Distrito II, bajo el mando del capitán Frans Banninck Cocq, también conocida como La Compañía de disparo de Frans Banning Cocq y Willem van Ruytenburch, pero comúnmente conocida como La ronda de noche (holandés: De Nachtwacht), es una pintura 1642 de Rembrandt van Rijn.

La pintura puede ser titulado más apropiadamente por su larga ya que el nombre olvidado de la compañía del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytenburch preparándose para marchar. En el siglo 18 la pintura llegó a ser conocido como la ronda de noche. Es un lugar destacado se muestra en el Rijksmuseum, Amsterdam, los Países Bajos, como la pintura más conocida en su colección. La ronda de noche es un ejemplo de renombre mundial de arte barroco.

El Molino – Rembrandt – 1645/48

El Molino es una pintura del artista barroco holandés Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Es en la colección permanente de la Galería Nacional de Arte en Washington DC. Durante mucho tiempo, la atribución a Rembrandt se consideraba dudoso; ha sido restaurado en los últimos años, a pesar de que no es universalmente accepted.The pintura estaba antes en la Colección Orleans. Una vez fue propiedad de Peter Arrell Marrón Widener.

Webgrafía

·         biografiasyvidas.com, recuperado de : http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rembrandt.htm, 21/04/2015

Madona Benois - Leonardo da Vinci- 1478-1482

Es en cuadro de la época renacentista de Leonardo Da Vinci pintada al óleo sobre un transportado de tela, realizada con la técnica de claro oscuro la cual oscurece las figuras y las hace parecer en tres dimensiones. Esta obra se considera la transición del pintor desde Florencia hacia Milán.

La Creacion de Adan (Capilla sixtina) - Miguel Angel - 1511

La creación de Adán es una pintura al fresco creada alrededor de 1511 y restaurada en 1980 y se encuentra en interior del techo de la Capilla Sixtina en Roma. Dios es representado como un hombre mayor que está rodeado por ángeles y Adán representado de una forma más humanizada. Esta obra está basada en el génesis de la Biblia de donde en Autor tomo su inspiración.

La Transfiguración -Rafael Sanzio - 1517-1520 

La transfiguración es el último cuadro pintado por el maestro italiano del Alto Renacimiento Raphael. Encargado por el cardenal Giulio de Medici, el futuro papa Clemente VII (1523-1534) y concebida como un retablo para la Catedral de Narbona en Francia, Rafael trabajó en ella hasta su muerte en 1520. La pintura es un ejemplo de desarrollo de Raphael como artista y la culminación de su carrera. Inusualmente para una representación de la Transfiguración de Jesús en el arte cristiano, el tema se combina con un episodio adicional de los Evangelios en la parte inferior del cuadro.

Diana e Atteone- Tiziano-1556-1559

Diana y Acteón es un cuadro pintado por el maestro renacentista italiano Tiziano, en 1556-1559, y se considera entre las más grandes obras de Tiziano. Retrata el momento en el que la diosa Diana reúne Acteón. Diana es la mujer en la parte derecha de la pintura. Ella lleva una corona con una media luna en él y está siendo cubierta por la mujer de piel oscura que puede ser su siervo o esclavo. 

El Taj Mahal

El Taj Mahal  no es solo una de las maravillas del mundo moderno, es mucho más. Este  complejo de edificios construido entre 1631 y 1654 en la ciudad de Agra (India)  por un emperador Shah Jahan como mausoleo para su esposa Mumtaz Mahal

Años después de coronarse, Mumtaz Mahal, no resistió el parto de su 14º hija. En su lecho de muerte, la reina le pidió a su rey que construyera en su memoria un monumento sin igual en el mundo.

En su memoria contrató a 20.000 obreros para construir el que sería el mejor mausoleo del mundo y un ejemplo de simetría. El mausoleo de Taj Mahal, tiene ese nombre en honor también a su esposa, Mumtaz-i Mahal, cuyo nombre significa Perla del Palacio, según otras Elegida del Palacio. El nombre del mausoleo, Taj Mahal, a veces es considerado como una abreviatura del propio nombre de la emperatriz, pero también significa Corona del Palacio ya que, aunque se trata de una tumba, el emperador quiso ofrecerle a su esposa un palacio y una corona.

En una curva del río Yamuna se eligió el emplazamiento del increíble mausoleo.

Veintidós años de construcción con los mejores materiales, el mármol fino y blanco de sus paredes se trajo de las canteras de Jodhpur en elefantes, jade y cristal de la China, turquesas del Tibet, lapislázuli de Afganistán, crisolita de Egipto, ágata del Yemen, zafiros de Ceylán, amatistas de Persia, coral de Arabia, malaquita de Rusia, cuarzo del  Himalaya, diamantes de Golconda y ámbar del océano Indico.

No se sabe quién fue exactamente el arquitecto del Taj Mahal. Se menciona el nombre de Ustad Isa, pero si este personaje existió o no, es pura conjetura. Otra leyenda local dice que el emperador mató a la esposa del arquitecto para que sintiera el mismo dolor que él quería reflejar al construir el edificio, y que después lo dejó ciego y cortó las manos para que nunca construyera algo igual, pero es algo que nunca se ha podido comprobar.

El emperador Shah Jahan quería construir su propio mausoleo en mármol negro, a imagen y semejanza del de su esposa, al otro lado del río Yamuna, y unir después ambos mediante un puente de oro. Hoy, al otro lado del río, frente al Taj Mahal, queda un resto, en piedra roja, de lo que se dice que fue el inicio de la construcción del edificio gemelo del Taj Mahal. Pero no llegó a construirse ya que Aurangzeb, tercer hijo de Shah Jahan, después de vencer a sus hermanos y hacerse con el poder, encarceló a su propio padre en la fortaleza roja de Agra.

Shah Jahan murió en prisión, después de largos años de enfermedad, contemplando desde sus alojamientos en el Fuerte Rojo el Taj Mahal, su gran obra, monumento a su amada y refugio para el descanso eterno de ambos. En su lecho de muerte, a los 74 años, pidió que se le colocara un espejo para ver la tumba de su esposa. Se dice que cuando murió, miraba el Taj Mahal.

El mausoleo está emplazado en un jardín simétrico, típicamente musulmán, dividido en cuadrados iguales, cruzado por un canal flanqueado por dos filas de cipreses donde se refleja su imagen más imponente.  Hoy en día los jardines siguen siendo arados por bueyes, para sorpresa de muchos turistas.

El mausoleo, por dentro, deslumbra menos que por fuera. La cámara mortuoria está rodeada de finas paredes de mármol incrustadas con piedras preciosas que filtran la luz natural, traduciendo su belleza en mil colores. La sonoridad del interior, amplio y elevado, es triste y misteriosa, como un eco que suena y resuena, y nunca se detiene.

Pero el hijo del Shah Jahan rompió con la perfecta simetría del mausoleo por venganza, al enterrar a su padre al lado de Mumtaz Mahal. Ella está representada por una pequeña loza, y el Rey, por un tintero, símbolo de la mujer como un papel en blanco en la que escribe su marido.

El Taj Mahal no se trata de un solo edificio, sino de todo un complejo de grandes dimensiones. En total 22 pequeñas cúpulas  simbolizan los 22 años que duró la construcción del Taj Mahal. Sobre el edificio hay una gran cúpula en el centro que es la Corona del palacio, Taj Mahal. Rodeando a esta hay cuatro chattris de cúpulas más pequeñas; y en los extremos de la plataforma se alzan cuatro minaretes culminados en cúpulas más pequeñas aún, construidos con cierta inclinación hacia afuera para que, en caso de derrumbamiento, no caigan sobre el edificio principal.

Rodeando al recinto hay una alta muralla de arenisca roja, rodeada a su vez de jardines, con una monumental puerta de entrada en el sur; por ella se accede a un inmenso patio de 300 m de ancho con un estanque de mármol en el centro y numerosos jardines y fuentes; el mausoleo propiamente dicho, construcción a la que habitualmente se hace referencia con la denominación de Taj Mahal, flanqueado por dos edificios simétricos,  al oeste una mezquita de tres cúpulas construida en arenisca roja y mármol blanco, al este el llamado eco de la mezquita que no se usa para el culto por estar orientado en dirección errónea y cuya finalidad es mantener la simetría, siendo el río el telón de fondo de todo el impresionante conjunto.  

 El Taj Mahal tiene algo de mágico, quizás por la tonalidad que  le confiere el mármol del que está formado que cambia de color según la luz que recibe, o quizás por su significado, el caso es que al verlo nadie queda indiferente.

Casa de la Cultura Ecuatoriana - Sala “Diógenes Paredes” Arte Contemporáneo  

El museo de la Casa de la cultura Ecuatoriana en Quito podemos encontrar la sala Diógenes Paredes, en la cual se exhibe permanentemente una muestra de Arte contemporáneo de algunos de los principales artistas ecuatorianos. Entre las temáticas que podemos apreciar tenemos muchas pinturas abstractas. Algunas de las obras que podemos encontrar son de estilo minimista, otras pocas son impresionistas, pero en su gran mayoría cuentan con un estilo surrealista moderno. Las técnicas de estas obras son al oleo, mixta y en acrílico.

El simbolismo está presente en esta muestra de maneras muy diversas y teniendo un menor número de obras, en comparación a las de otras salas con el mismo concepto. Es así que podemos observar  obras que muestran muchos temas de carácter social,  también escenas, personas y objetos que todos observamos en la vida cotidiana, pero vistas de una manera distinta, según los ojos del artista. Entre los Artistas más destacados tenemos a Segundo Espinel, Luigi Stornaiolo, Germán Pavón, Nelson Román, Carlos Viver, entre otros. A continuación un poco de la biografía uno de los pintores que han contribuido a esta sala  Luigi Stornaiolo y el análisis de su obra Simbolismo 2.

Biografía de Luigi Stornaiolo

Luigi Stornaiolo Pimentel (b. Quito, 9 de Junio, 1956) es un pintor ecuatoriano.

Ha expuesto su obra en Perú, Brasil, Canadá, Australia, México, Bélgica, Puerto Rico, Miami, Nueva York, y Venezuela.

En 1980 tuvo su primera exposición de arte en la galería "Club de Arte" donde presentó su trabajo titulado "Dibujos irónicos dentro del realismo lúcido y casi fotográfica en sus detalles".

Su padre Bruno Stornaiolo Miranda nació en Nápoles, Italia, fue un psicólogo clínico, y fue autor de una novela llamada Réquiem Por un dinosaurio (Réquiem por un dinosaurio), y relatos cortos. Su madre, Angela Pimentel Franco, nació en Quito.

Está casado con Nelly Witt Vorbeck, y tienen una hija llamada Silvia Anna. Desde que conocí a Nelly en 1974 que ha sido su musa, y existe cerca de 40 pinturas al óleo de ella en su casa.

Fue galardonado con el Premio Nacional de Ecuador en el Arte "Premio Eugenio Espejo" en 2011.

Luigi Stornaiolo

Simbolismo 2 – 2005

Luigi Stornaiolo, Simbolismo 2 – 2005

Esta obra nos transmite un poco de la desesperación humana, un conflicto de una multitud conformada por personas que juegan distintos roles aunque con expresiones fáciles poco detalladas podemos entender casi en su totalidad lo que cada una nos trata de transmitir. Esta pintura es al oleo y destacan mucho colores vivos como rojo, anaranjado, blanco y azul, que contrastan a su vez con tonos más oscuros en el fondo.

Tierra o Generosidad (Serie Tierra), Grace Pólit – 1983

Esta Pintura en Acrílico tiene un estilo aparentemente no muy elaborado a simple vista, pero prestando atención se pueden observar dos imágenes en la misma obra, la primera una llanura de tierra con un atardecer de fondo y la segunda es el contorno de una mujer que da la sensación de estar recostada en el lienzo.

Espacio Mayor, Tomas Ochoa – 2002

Una pintura en oleo que nos muestra un espacio vacío  aparentemente de una habitación dentro de un edificio antiguo que contrasta con la figura en rojo que se sobrepone a la imagen y que tiene el aspecto al de un globo terráqueo. Junto a esta imagen pero en la misma pintura encontramos un contorno de una figura física rodeada por un mismo tono rojo, y que contrasta bien con los tonos marrones de la habitación.

Confesor de Monje, Washington Mosquera - 2005

Una pintura en técnica mixta con un bajo relieve y en tonos en su mayoría marrones claros y opacos, nos muestra la imagen de unas escaleras que nos llevan a una entrada no muy grande y un poco irregular y en la cual podemos observar dos contornos que nos dan la sensación de arrepentimiento o tristeza en uno de ellos y de un poso de supremacía en el otro. 

Tiro al Blanco al Pájaro Rojo, Carlos Viver – 1951

Pintura al oleo de un estilo un poco abstracto pero que al mismo tiempo nos transmite el mensaje de que se puede encentras armonía en las cosas más simples, usando tonos opacos que ayudan a destacar mas el contorno del pájaro color rojo en medio de ellos.

Webgrafía

CasadelaCultura.gob.ec - http://www.casadelacultura.gob.ec/

Grandes Maestros del Arte Popular Iberoamericana

La exposición "Grandes Maestros del Arte Popular de Iberoamérica", que se encuentra en el Centro Cultural Metropolitano de Quito, estará abierta al público del 27 de marzo.. La muestra, que ya pasó por países como México, España, Colombia, Brasil, Argentina y Estados Unidos, es conformada por obras de 500 artistas de 22 países. De estos artistas, 32 son ecuatorianos. Los trabajos tienen diferentes materias primas y técnicas, como cerámica, madera, metalistería y orfebrería, piel, papel, textiles, fibras vegetales, entre otros. Al país llegaron 2.552 obras de diferentes ramas en lo que se refiere al barro, la madera, las fibras vegetales, los textiles, orfebrería, papel y materiales varios que, a su vez, se dividen en diferentes especialidades.

El espectador se encontrará con una gigantesca propuesta que no divide el trabajo de un país con el otro, sino más bien une en cada una de las ramas las distintas propuestas de cada lugar. Es decir, se logra un sincretismo muy interesante en cada expresión de la tradición de cada pueblo. “Este proyecto permite un acercamiento panorámico al trabajo de los grandes maestros del arte popular de Iberoamérica. Podemos reconocer su calidad y evidenciar la importancia de la creación artesanal en el legado cultural y ancestral de cada uno de los países que integran la exhibición”, expresó Cándida Fernández, curadora de la muestra y directora de Fomento Cultural Banamex.

Eduardo Sánchez Rodríguez, Virgen de Guadalupe – 2007

Concha nácar pulida, entintada y adherida sobre madera creada en nuevo León, Monterrey, México. Esta obra es una interpretación de la famosa imagen de la Virgen de Guadalupe pero dándole el estilo del autor al trabajas en materiales poco convencionales y en solo dos tonos.

Eduardo Sánchez Rodríguez, La coronación de Fernando VII – 2010

Técnica utilizada Plumas recortadas y pegadas con cola de orquídeas sobre papel amate y tabla de madera, Nuevo León, Monterrey, México. Esta obra nos muestra una recreación de una de las muchas obras que recrean la coronación de Fernando VII de España en 1808. Es una obra que consigue un alto Grado de detalle a pesar del material que se emplea.

Luis Guillermo Olay Barrientos, Bodegón – 2012

Tallos de cereales decorados adheridos con cera de Campeche, Thalpujahua, México. Una obra que refleja la diversidad dentro de la cultura de este pueblo, mostrando una especie de collage donde estos se complementan. Utiliza colores en tonos rojos y amarillos en su mayoría. Destacando el contorno Blanco que rodea a la imagen de la Virgen de Guadalupe.

Taller de talla de Piedra, Hacienda de Ochil - 2000

Replica prehispánica de auto sacrificio Piedra caliza tallada. Esta es una escultura en piedra y a su tono natural que destaca las formas de los relieves de esta. Esta escultura recrea una ceremonia tradicional de un pueblo precolombino de la forma en que esto daban forma a sus imágenes y esculturas.

Dionisia Ferrer, Mantel Bordado – 2007

Algodón bordado en punto al Pasado, Tenango de Doria, Hidalgo México. Esta es una obra en la que podemos apreciar representaciones de animales y plantas que están interactuando entre si y con colores muy vivos y variados.

Webgrafía.

Noticiasquito.gob.ec, http://www.noticiasquito.gob.ec/Noticias/news_user_view/10_mil_personas_ya_han_visitado_la_exposicion_grandes_maestros_de_arte_popular_de_iberoamerica_en_el_ccm--13750

Alberto Carcelén,  Bitácora de un artista , Casa de la Cultura Ecuatoriana 2015

Alberto Carcelén inaugurará su Bitácora de un artista, una exposición de pintura y dibujo en una retrospectiva de 40 años de carrera artística del pintor ecuatoriano. Por cumplirse próximamente 40 años de trayectoria artística del duraneño Alberto Eusebio Carcelén Carranza, la Unión Nacional de Artistas Populares del Ecuador (Unape), y el Frente de Artistas Populares (FAP), han organizado la exposición pictórica retrospectiva ‘Bitácora de un artista’ se lleva a cabo en la ciudad de Quito, en la sala Víctor Mideros de la Casa de la Cultura Ecuatoriana.

En Esta exposición podemos observar obras que reflejan escenas de la vida cotidiana, la ideología, los problemas y entre otros aspectos que el autor ha observado y posteriormente plasmado acerca de la vida en el país, es así como en esta recopilación de obras en sus 40 años de trayectoria podemos ver como ha sido sus inicios y como ha ido evolucionando su obra atreves de los años

Alberto Carcelén Biografía

Artista y pintor popular. Nace en Durán en 1955, estudió en el colegio de Bellas Artes de Guayaquil y en la Universidad Central del Ecuador en la facultad de Artes. Ganador del premio nacional de dibujo 1986, fue tesorero de la UNAPE, es presidente de la asociación de artistas plásticos “Arte en el Ejido” y organizador del grupo de pintores de la UNAPE “Los Carboneros”. Hace del arte su estilo de vida teniendo un compromiso claro con el arte popular desde los 20 años en el taller de arte “La Huella”. “El pintor debe crear nuevas propuestas de creación en conciencia con lo que ha vivido y esto hace que la gente se identifiqué con las obras de arte”. Además de crear una identificación con sus pinturas hace propuestas de cambio y transformación.

Arquitectura Griega

La Arquitectura Griega ha sido una de las mas destacadas dentro de la historia, es así que muchos de sus principios son utilizados hasta la actualidad. Las principales características de la Arquitectura griega son sus columnas (dóricas, jónicas, corinticas), sus plantas rectangulares propias de los templos cerrados, al contrario de los teatros que tienden a formas circulares y al aire libre y por ultimo las cubiertas eran básicamente losas finas de mármol a dos aguas sostenidas por vigas de madera, cabe mencionar que no empleaban bóvedas ni arcos en sus construcciones.

Entre sus materiales más utilizados tenemos distintos tipos de maderas y piedras como el mármol, labrado y pulido minuciosamente.

Algunos Templos como los de Olimpia, Delfos, Atenas, Eleusis, Delos, Epidauro, Mileto, o edificios clásicos como el Partenón y el Hefestión de Atenas, Son obras arquitectónicas representativas de los griegos. Arquitectos como Hermocreon, Argelios, Euricles o Filon de Atenas que trabajo en los templos de Demeter y de Persefone, son algunos ejemplos de los Artistas que contribuyeron en el desarrollo de la Arquitectura Griega.

Webgrafía.

Blogpost, Desarrollo del Arte (07/2010). Recuperado el 24/03/2015 de

http://desarrollodelarte.blogspot.com/2010/07/arquitectura-griega.html

Características Arquitectónicas de Periodos, Culturas y estilos a lo largo de los siglos

Paleolítico.- Fueron construcciones Arquitectónicas Rusticas y principalmente hechas de piedras de gran tamaño.

Neolítico.- Arquitectura básica hecha de paja, piedra y madera. En ocasiones construcciones improvisadas por la vida sedentaria.

Persas.- Los persas utilizaban bobeadas y arcos con columnas principalmente de madera y base de piedra, sus fachadas eran abiertas y en sus ventanas contaban con detalles esculpidos con referentes animales.

Fenicios.- Utilizando piedras como su principal material de construcción y teniendo influencia de las edificaciones del mediterráneo, se caracterizaban por construcciones de base rectangular, en algunos casos de gran tamaño  hasta 12 metros de altitud.  

Hebreos.- La Arquitectura hebrea es referenciada principalmente en escritos antiguos, con construcciones parecidas a las que podemos encontrar templos de gran tamaño, con accesos en escalinatas y con columnas relativamente altas.

Roma.- La Arquitectura romana tiene influencia en la cultura etrusca pero principalmente en la cultura Griega. Los romanos usando estas influencias desarrollaron un nivel mayor de detalle escultural y de tamaño en sus Construcciones.

Paleo cristianismo.- Siendo una Arquitectura basada en el grecorromano, priorizando los espacios centralizado y longitudinales, además de una pronunciada interioridad, es decir creando grandes detalles al interior de las iglesias y templo.

Cristianismo.- Poniendo sumo énfasis en las iglesias, contando con edificios en piedra y con grande puertas y ventanales, con motivos cristiano.

Románico.- El románico fue un esfuerzo por elaborar construcciones cada vez de mayor tamaño y que pedirán a lo largo de los años, poniendo énfasis en el uso de la luz y la altura de estas edificaciones.

Gótico.- Se caracteriza por sus arcos apuntados, sillares de piedra bien labrados y bóvedas compuestas por arcos que se cruzan diagonalmente, además de contar con un alto grado de detalle tanto externo como interno en esculturas con motivos mitológicos, religiosos o simplemente representativos de cada sitio.

Carolingio.- Caracterizada por la implementación de áreas dobles en sus templos (coros, torres, entradas, etc.), básicamente utilizando piedra para la construcción de estos templos y monasterios.

Webgrafía.

Selectividad, Arquitectura. Recuperado el  24/03/2015 de: http://www.selectividad.tv/S_A_5_3_3_S_la_arquitectura_gotica:_caracteristicas_generales_y_tipologia.html

Spanishshart, Arquitectura prehistórica. Recuperado el 24/03/2015 de

http://www.spanisharts.com/arquitectura/prehistoria_neolitico.html

Arquicity, Arquitectura Carolingia. Recuperado el 24/03/2015 de

http://arquicity.com/arquitectura-carolingia.html